Llega fin de año, lo que vuelve a presentarnos otra temporada de premios que empieza con los Globo de Oro, cuya transmisión será el 11 de enero, y que tendrá su conclusión con los Premios de la Academia (o para los amigos, los Oscars) el 15 de marzo. ¿Qué significa para el espectador casual la temporada de premios? La oportunidad de descubrir, o redescubrir, aquellas películas del 2025 que marcaron tendencia por su calidad, convirtiéndose en lo más hablado del año.
La temporada también es un momento fuerte para que los principales protagonistas de los films del año conversen con la prensa sobre sus trabajos, lo que siempre enriquece la obra. VOCES tuvo acceso a varias conferencias de prensa y entrevistas con varios de los artistas más destacados del año, quienes ofrecen un mapa general de lo que hay que ver durante este verano.
BUGONIA (esteno 11 de diciembre) es la nueva película del notable realizador Yorgos Lanthimos, responsable de cintas tan extravagantes y talentosas como La favorita y Pobres criaturas. En esta oportunidad, vuelve a trabajar con Emma Stone para contar la historia de dos primos conspiranoicos que, luego de convencerse de que la jefa de la empresa en la que trabajan es un alienígena que pretende destruir a la humanidad, idean un plan para secuestrarla y hacerla desistir de sus siniestros planes. Una cinta en donde el humor negro se une a un fino comentario sobre la desinformación, el miedo colectivo y la necesidad de reconectar como sociedad. Al respecto de la cinta, pudimos hablar con su director, Lanthimos, y el compositor Jerskin Fendrix:
¿Cómo abordaste este universo en particular, que además es un remake, algo que no sueles hacer?
YL: Creo que mi entrada no fue sabiendo que se trataba de un remake. No conocía la película original. Así que recibí el guion de Will Tracy, que me pareció increíble. Y me emocioné de inmediato por participar. Se lo envié a Emma inmediatamente, la misma noche que lo leí, y ella reaccionó igual. Así que cuando decidimos que sí, bueno, queríamos hacer esta película, vi la original solo para asegurarme de que fuera lo suficientemente diferente como para justificar un remake. Fue una forma muy distinta de entrar en el mundo, algo poco común en un guion bien escrito.
Jerskin, esta es otra colaboración que tienes con Yorgos, ¿Cómo es esa evolución de su relación y tu enfoque particular en Bugonia?
JF: Sí, bueno, esta es la tercera película en tantos años, así que, ya sabes, se ha desarrollado muy rápido. Pero en este punto, por lo que sé, Yorgos tiene una muy buena idea de cómo trabajo, de cómo trabajo mejor y de cómo trabajo peor, y le gusta lo que necesita o decide hacer para sacar lo mejor de mí. Generalmente, esto funciona con escasez. Creo que se me da mucho mejor intentar llenar musicalmente los huecos entre información muy dispar, en lugar de estar, ya sabes, saturado de tanta información que no logro encontrar el hueco en la película donde la música debería tener un papel. Y, por lo general, en las películas que hacemos juntos no ocurre que la música simplemente refuerce algo ya existente; tiene que encontrar ese espacio en blanco. Y cuanto más grande es el espacio, más fácil es escribir.
Para esta película, Yorgos no quería que leyera el guion ni que viera la película coreana original, y solo me dio el texto: abejas, sótano, nave espacial y el hecho de que Emma Stone se iba a rapar la cabeza. Tuve que usar estos puntos en el espacio y encontrar la manera de llenar los espacios vacíos, lo cual suena extraño, pero en realidad fue, en cierto modo, probablemente más liberador que saber que tendría que crear esta atmósfera para una narrativa muy específica y bastante contenida, en su mayor parte. Así es como lo hicimos esta vez.
El beso de la mujer araña (estreno 8 de enero) es la nueva adaptación de la clásica novela de Manuel Puig, que además tiene el atractivo de haber sido filmada en nuestro país. Con la participación de Jennifer López y Diego Luna, es una versión musical que destaca por la excelente puesta en escena del experimentado director Bill Condon. Sobre la filmación en nuestro país, el director destaca:
Tres cuartas partes de la película se rodaron en Montevideo, todas las escenas de la prisión, todos esos exteriores, todo. Fue una experiencia maravillosa. Un equipo genial. Además, todo el equipo y el elenco presente – porque había varias personas que también eran de Argentina — tenían conexiones personales con la historia. Ya sabes, muchos tenían abuelos, tíos o primos que habían estado presos o desaparecidos. Así que se sentía el peso de lo que había sucedido tanto en Uruguay como en Argentina mientras se hacía la película. Y creo que por eso elegimos Uruguay.
A decir verdad, la idea original era ir a Argentina, pero fue justo después de que Milei fuera elegido, y la moneda fluctuaba tan drásticamente que era imposible conseguir que alguna productora cinematográfica nos permitiera hacer algo allí porque no se podía presupuestar. No sabíamos si algo que hoy cuesta esto mañana costaría lo mismo.
Pero al final del día me sentí muy feliz de estar en Montevideo, en parte porque lo maravilloso de tu país es que parece que el Estado se centra en lo más importante, como la salud y la educación, no era como una ciudad llena de 100 rascacielos nuevos y listo. No todo es dinero allí, ¿sabes? Así que creo que — cuando se ambienta algo a principios de los 80, pudimos, obviamente, conseguir coches y cosas así, pero era una infraestructura física que no se había visto saturada por las nuevas cosas. Eso fue genial para nuestra película.
Un buen ladrón (actualmente en cines) está basada en hechos reales, y nos presenta a un hombre, veterano de la guerra, que se vuelve ladrón luego de no conseguir trabajo. Su carrera criminal consiste en asaltar más de 40 McDonalds hasta que va a la cárcel, huye y se esconde en una tienda de juguetes que convierte en su hogar durante meses. Una cinta insólita y talentosa del director Derek Cianfrance, realizador de cintas como Triste San Valentín, que encuentra un interesante punto medio entre la comedia y el drama, y sobre esa combinación en el tono es que le preguntamos a su protagonista, Channing Tatum, si era algo que tenían presente al momento de filmar:
No sé si no tenía presente en mi mente si estábamos manteniendo el equilibrio o algo así. Definitivamente sabíamos que íbamos a Derek y yo hablamos mucho sobre el tono, pero en realidad no teníamos un tono que intentáramos lograr exactamente.
Solo sabía que íbamos a hacer todo lo posible y que él iba a encontrar el tono en la edición. Y mi trabajo era intentar darle todos los colores del espectro para que pintara con ellos después de terminar nuestro trabajo. Y ahora le toca a él llevarlo a un pequeño cuarto oscuro y, en cierto modo, forjar la historia que él quiere.
El testimonio de Ann Lee (próximamente en cines) promete ser una película que abra debate. El film, de la directora Mona Fastvold y protagonizado por la talentosa Amanda Seyfried, en un papel que promete tener un largo recorrido en la temporada de premios, también parte de una historia real y nos cuenta la historia de la mujer del título, fundadora de un culto llamado los Shakers. Un drama con momentos musicales que vuelve a confirmar el talento rupturista de su realizadora, quien ya realizó el año pasado el libreto de la también polémica El brutalista. Pudimos preguntarle a la directora sobre si sentía que este film, junto al mencionado anterior, eran clave a la hora de romper barreras para el cine independiente y si, luego de ellos, podría haber lugar para otras cintas igual de ambiciosas:
Bueno, creo que lo importante para mí y para Brady, en muchos sentidos, es la sostenibilidad en el cine. Queremos contar historias audaces y ambiciosas, al menos para estos dos personajes. Para mí, Ann Lee merecía una gran historia. Esa es la historia que este personaje pedía. Y creo que esa es la historia que este personaje merecía. Y eso también es lo que me entusiasmaba como cineasta. Lo mismo con Laszlo. Era una larga historia que se suponía que abarcaría muchos, muchos años, y eso es lo que pedía ser. Así que creo que los personajes de la historia te dirán su magnitud. No quiero hacer algo grande solo por hacer algo grande. Pero queríamos darles a estas historias mucho espacio en cuanto a alcance y escala. Y creo que, por supuesto, podríamos haber… ya sabes, estas historias… fue difícil unir estas películas. Se hacen 100% independientes. Y, además, Ann Lee es 100% independiente. Y creo que, ya sabes, probablemente podríamos haber tomado un camino diferente. Pero esta fue la manera más fácil para nosotros de mantener el control total del proceso cinematográfico y dejar que fuera tan libre y, ya sabes, tan expansivo como quisiéramos. Creo que sí, probablemente tenemos un enfoque diferente al de mucha gente sobre el cine, y aunque… es un trabajo en progreso. No hay ideas dogmáticas al respecto. Simplemente intentamos contar las historias que queremos contar. Y, ya sabes, eso probablemente cambiará y evolucionará a medida que trabajamos.
Nouvelle vague (enero en cines) es el nuevo y brillante trabajo del director Richard Linklater, el cual funciona de crónica de rodaje de la mítica Sin aliento, obra fundamental del cine francés que definió el arranque de un movimiento artístico sin igual como la nueva ola, junto a increíbles cineastas como Truffaut o Agnes Varda. La cinta tendrá, localmente, un componente extra de interés ya que, junto a su estreno, también se re-estrenará el clásico de Godard en salas de cine. Ante la pregunta de un colega sobre cómo se manejó la energía y el ‘caos organizado’ en el set, el director respondió:
Estábamos retratando una situación un tanto caótica y volátil. Una película es así. Se siente así. Porque, de todos modos, hacer una película tiene algo curioso. Mis métodos, digamos, son completamente diferentes a los de Godard. No se puede improvisar el pasado. No se puede improvisar el lenguaje. Así que todos aquí trabajamos muy duro. Ensayamos mucho. Trabajamos mucho en el guion y en su lenguaje, y todos aportaron nuevas ideas para sus personajes y aportaron muchísimo. Y, ya sabes, fue un proceso muy controlado y específico. O sea, en 1959, podían simplemente aparecer y rodar con un equipo muy pequeño. No tenían departamento de arte. Bueno, nosotros teníamos un departamento de arte. Y algo en lo que ni siquiera podían pensar en aquel entonces: un departamento de efectos visuales (risas) Recreamos 1959 por todas partes. Así que fue divertido. Es como la magia del cine. Pero dentro de ese tipo de creación controlada, queríamos que pareciera muy espontáneo. Porque Godard buscaba la espontaneidad. Así que esa era la esencia de la película.
